Stephanie Kiwitt

Wiels extra muros, Brussels
Speedy Wash #7: Revolving Door
Solo Exhibition (with Tina Schulz)
12.02 - 21.03.2010

Chock-full as well as empty, hollowed-out spaces have one thing in common: as soon as one enters them, they give an impression of absence. They produce a kind of vacuum, making the viewer or visitor feel like an unsolicited guest – if not already an invisible one. Certain architectures can produce feelings like these, for example abandoned, misused and run-down architectures, or places which are temporary transshipment points of capital and goods. And as different as they may look: both have in common a proximity to chaos. Revolving Door, Tina Schulz and Stephanie Kiwitt's very first common project, revolves around a conception of such spaces; it touches them in passing, and leaves them again.

Stephanie Kiwitt builds her pictorial space, or image-space, with several interior views of supermarkets and shopping malls. She condenses indications, display objects and purposeful architectures to a hyperreal interior, which assigns neither a stable place to the viewer, nor to the persons that are 'available' in the pictorial space. Goods, displays, banners and other publicity means compete for attention and at the same time lose – in this constant fight for survival: one gaze, and their expiration date is exceeded, their colour bleached; the worthlessness of their materiality exposed. A narrowness-by-drive prevails, and still a feeling of emptiness arises: nobody is there any more; the abundance is steeped in absence. One is channelled through this space, more by the wake of an indefinite movement than by one's own incentive.





Stephanie Kiwitt

Galerie b2_
I Want to Live in the Present, Not the Past
Solo Exhibition
17.1. - 28.2.2009

The means: advertising, marketing, product design. The architecture of shopping malls and fashion stores. Shop window tuning. The goal: to erect a second world that parasitically nests in the first and where you only consume, get seduced by images, and shop ’til you drop. This is how late capitalism might look, but the big difference to earlier versions would consist precisely in the dialectic between promoting consumption and producing images. At issue is not producing and buying commodities as once had been the case, but consuming ideal worlds, created by brands.

Stephanie Kiwitt took photographs of a very small part of this world: shop windows and shop interiors. The photographed things—not only products like watches or a mattress, but also store decorations or proper objets trouvés—are isolated from their context and alienated. In themselves and as an overall concept, they form an autonomous world, and are linked to one another in a pseudo-futuristic manner with titles like Orgon, Orion, Highlander or Saga.

With these techniques of alienation and isolation, at the same time an analysis of the becoming-image of contemporary objects of consumption is undertaken: a questioning of the pictoriality of consumption. The photographs do not simply “depict” shop windows, but often emulate themselves the seductive visual strategies of the market. They disturb and confuse, precisely because they continue a dominant visual process. For the viewer, it is not quite clear what position is being taken here: an ironic critique of consumption and dominant visual culture? Or just the reverse: an affirmation of the latter?

The answer to this question is found in the images. Although the photographs can be seen as simulacra of simulacra, as part of the advertising continuum—visual glamour, branding, differentiation and isolation, image addiction—something else is at work here. The opposition of form and content contains an explicit tension and shifts the problem somewhat away from the glossiness of the images to the things themselves. For although many of the images (but not all… ) approach the aforementioned visual language, the photographed objects are only rarely first class examples of the brave new world of consumption. The shop windows, for example, are often found in minor areas (the model from Zentrum looks a bit ramshackly; the still-life M 6071 consists of stuff thrown together in a corner) and the surreal details of often clumsily decorated stores have an alienating effect. The images form a world in itself, just as in the realm of advertising—but this empty world leads nowhere. And the products also do not provide the spectator with what the image factory—by way of a dreamful detour—in the end provides: commodities become images. Like the store decorations, they are closed, incomprehensible things, for some time no longer commodities, and as such have the last word.

The title of the work, I Want to Live in the Present, Not the Past, ultimately has an ironic—and uncanny—effect. For what present does the hedonistic citation, itself an object trouvé, allude to, if we consider these images? With what past do we need to settle accounts? Or what would we perhaps best like to forget? Fredric Jameson asserts that our time is characterized by the “penetration and colonization of … the unconscious,” a phenomenon that he directly associates with the “rise of the media and the advertising industry.” Is that perhaps what it means to live now, that is, to forget and suppress collectively, surrounded by products, images, simulacra?

The photo series generates tiny fissures in what often seems like a closed and total system of images and consumption; it shows the fragments of our shopping present. Moraines without a past, they shine and stare at us, eternally present like monads. At the same time, they ironically attest to where we find ourselves: in the late capitalist now of commodities and spectacle.

Steven Tallon, Brussels 2009




Stephanie Kiwitt

I Want to Live in the Present, Not the Past

Die Mittel: Werbung, Marketing, Produktdesign. Architektur von Einkaufszentren und Modegeschäften. Schaufenstertuning. Der Zweck: eine zweite Welt aufzubauen – die sich parasitär in die erste eingenistet hat und wo man nur konsumiert, sich bildmäßig verführen lässt – und wo you shop ’til you drop. So etwa könnte der Spätkapitalismus aussehen, wobei der große Unterschied zu den Frühversionen gerade in der Dialektik zwischen Konsumförderung und Bildproduktion läge. Nicht das Produzieren und Kaufen von Waren wie einst, sondern das Konsumieren von durch Marken geschaffenen Idealwelten steht auf dem Programm.

Stephanie Kiwitt hat einen sehr kleinen Teil dieser Welt fotografiert: Schaufenster und Ladeninterieurs. Die fotografierten Dinge – Produkte wie Uhren oder eine Matratze, aber ebenso Ladendekorationen oder regelrechte objets trouvés – werden aus ihrem Kontext isoliert und entfremdet. Sie bilden, an sich und als Gesamtkonzept, eine autonome Welt und sind durch Titel wie Orgon, Orion, Highlander oder Saga pseudofuturistisch verlinkt.

Mit den Techniken von Verfremdung und Isolierung wird zugleich eine Analyse des Zum-Bild-Werdens zeitgenössischer Konsumobjekte und der mit ihnen verbundenen Idealwelten unternommen: eine Hinterfragung der Bildhaftigkeit des Konsums. Die Fotos „geben“ die Schaufenster nicht einfach „wieder“, sondern wiederholen oft die verführerischen Bildstrategien des Marktes. Sie verstören und verwirren, gerade weil sie einen dominanten bildlichen Prozess fortsetzen. Für den Betrachter ist nicht ganz klar, welche Position hier eingenommen wird: ironische Kritik am Konsum und an der herrschenden Bildkultur? Oder gerade umgekehrt: eine Affirmation der Letzteren?

Die Lösung dieser Frage findet man in den Bildern. Obwohl die Fotos als Simulakren von Simulakren rezipiert werden könnten, als Werbungskontinuum: Bilderglanz, Branding; Differenzierung und Isolierung; Bildersucht – geschieht hier etwas anderes. Der Gegensatz von Form und Inhalt enthält eine explizite Spannung und verschiebt vielleicht das Problem ein wenig – weg vom Glanz, hin zu den Sachen selbst. Denn obwohl viele Bilder (nicht alle...) sich der oben erwähnten Bildsprache annähern, geht es bei den hier fotografierten Objekten nur selten um erstklassige Beispiele der Brave New World des Konsums. So befinden die Schaufenster sich oft im Randbereich dieser Konsumwelt (das Modell aus Zentrum sieht etwas wackelig aus; das Stillleben M 6071 besteht aus irgendwo in die Ecke hingeschmissenem Kram) und wirken die surrealen Details von oft unbeholfen dekorierten Läden befremdend. Die Bilder formen eine Welt für sich, genau wie im Bereich der Reklame – aber diese leere Welt führt nirgendwo hin. Und auch die Produkte verschaffen dem Betrachter nicht das, was die Bildfabrik – über einen träumerischen Umweg – letzten Endes liefert: zu Bildern gewordene Waren. Wie die Ladendekorationen sind sie geschlossene, unbegreifliche Dinge – längst keine Waren mehr – und haben als solche das letzte Wort.

Der Titel der Arbeit, I Want to Live in the Present Not the Past, wirkt schlussendlich ironisch – und unheimlich. Denn angesichts dieser Bilder stellt sich die Frage: Auf welche Gegenwart spielt das hedonistische Zitat, selbst ein objet trouvé, an? Mit welcher Vergangenheit muss hier abgerechnet werden? Oder: was würden wir vielleicht am besten, oder am liebsten, vergessen? Fredric Jameson behauptet, unsere Zeit zeichne sich durch eine „Penetration und Kolonisation (...) des Unbewussten“ aus – ein Phänomen, das er direkt mit dem „Aufstieg der Medien und der Werbebranche“ verbindet. Ist vielleicht das, was hier gemeint ist: jetzt leben zu wollen – nämlich kollektiv zu vergessen und zu verdrängen, umgeben von Produkten, Bildern, Simulakren?

Die Fotoserien erzeugen winzige Risse in dem, was oft aussieht wie ein geschlossenes und totales Bild- und Konsumsystem; sie zeigen die Bruchstücke unserer Shopping-Gegenwart. Moränen ohne Vergangenheit, glänzen sie und starren uns an, ewig gegenwärtig wie Monaden. Gleichzeitig sind sie aber auch ironische Zeugen dessen, wo wir uns befinden: in der spätkapitalistischen Jetztzeit von Waren und Spektakel.

Steven Tallon, Brüssel, 2009








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Stephanie Kiwitt

Galerie b2_
CORNERVILLE
Solo Exhibition
11.8. - 8.9.2007


Stephanie Kiwitt erhebt in ihrer Arbeit CORNERVILLE keinen Anspruch auf eine vollständige Soziologie der Stadt. In ihren Bildern zeigt sie einen Ort, der von massiven Umbrüchen geprägt ist: Marseille. Die Arbeit ist kein Porträt der südfranzösischen Metropole, sondern verweist exemplarisch auf die Sanierungs- und Bauprojekte vor Ort und deren Effekte im Sinne einer sozialen und architektonischen Destruktion. Stephanie Kiwitt definiert die Stadt als einen Ort permanenter Veränderungen. Neue Konzepte für die Stadtplanung überlagern alte Strukturen oder ersetzen diese vollständig. Veränderung bedeutet aber Verdrängung. Dieser Prozess verläuft nicht zwangsläufig organisch. Kein Stadtplan verzeichnet diese Form der urbanen Erosion und Konfusion. In CORNERVILLE treffen wir auf eine Stadt, die verbaut, verschoben, verstopft, verdichtet ist. Kein Orientierungspunkt und kein signifikantes Merkmal einer besonderen Identität bietet sich dem Betrachter. Gerade die Auflösung von klaren und vermittelbaren, von repräsentativen und funktionalen Strukturen, charakterisiert das städtische Gefüge, das Stephanie Kiwitt zeigt. Die Veränderung von originären Funktionen, Dysfunktionales und Zerstörtes finden sich in den großen Architekturstrukturen genauso wieder wie in den kleineren Einheiten und Ensembles. Straßenkreuzungen, Stadtautobahnbrücken oder Wohnsilos wirken desperat und abweisend. Die Interieurs von Schaufenstern und Läden sind verbarrikadiert und verklebt, abgenutzt und ausgeräumt. Hier finden sich die Reste einer Konsumschlacht oder die Spuren einer falschen ökonomischen Entscheidung. Leerstand wird forciert, um bevorstehende Sanierungen zu ermöglichen, Kleinhandel wird durch Ansiedlung von Ladenketten ersetzt. Konkurse und Insolvenzen, Konkurrenzen und Verluste liefern die sozialen Stichworte für diese urbanen Transformationen.

Auch der Rahmen des täglichen Lebens auf der Straße scheint aus den Fugen geraten. Jedenfalls zeigt Kiwitt durchgängig Personen, die keine ersichtliche soziale Rolle innehaben. Anonyme Protagonisten, die zwischen weggeworfenen Dingen und versperrten Durchgängen irgendeinem unklaren Ziel zu streben. Warten oder Gehen; das soziale Leben ist von einer leeren Dynamik geprägt. Die Akteure kreisen um sich selbst und vergrößern das Chaos mit jedem Schritt. Vollgestopfte Autos, Tüten, Taschen und Kartons, gestapelte und wieder umgeworfene Haufen von Möbeln und Verpackungsmaterialien bilden den engen Rahmen des Lebensinhaltes: aufreißen, verbrauchen, wegschmeißen und vergessen. Ein guter Teil der deprimierenden Atmosphäre und des Gefühls totaler Einsamkeit in CORNERVILLE entsteht aus diesen Szenen der Orientierungslosigkeit. Aber nicht nur im Sinne einer sozialen Analyse lässt sich die Arbeit betrachten. Es gibt auch ein Interesse an temporären Strukturen und ephemeren Materialien. Eine Stadt die von Provisorien geprägt ist, in der kein Ort repräsentative Dauerhaftigkeit und funktionale Zuverlässigkeit ausstrahlt, ist ein Ort ohne Schmuckanlagen und architektonische Verzierungen. Pappe, Bauschaum, Klebefolie, Auslegware, Laminat und Stellwände zeichnen das Bild. Alles ist schon im Moment des Entstehens hinfällig und ständig vom Abbruch betroffen.

Großformatige Kopien zeigen in der Ausstellung Ausschnitte der Stadt. Wie die Versatzstücke einer modernen und kulminierten Modellstadt werden die Sujets in unterschiedlichen Formaten an die Wände und bis zum Fußboden hinunter geklebt. Kiwitt umgeht damit eine tradierte Form der fotografischen Präsentation; das Vorgehen der Fotografin ist weniger konzeptuell oder seriell. Vielmehr arbeitet sie mit der räumlichen Wirkung der Bilder und der physischen Präsenz des abgebildeten architektonischen Raumes. In der Ausstellung werden Alltagsgegenstände sowie Teile der städtischen Möblierung, beispielsweise Telefonzellen, Kartons oder Schaufensterdekorationen durch die Vergrößerung im Bild als Architekturen und Territorien definiert. Kiwitt begreift die Bilder als Elemente einer Rauminstallation. Die Verschiebung der Größenverhältnisse ändert die Erfahrbarkeit der Strukturen, Details und Formen des Stadtraumes.

Maik Schlüter, freier Autor und Kurator, 2007